Arten von Kunst

Arten von Kunststilen

Zeitgenössische Kunst vs. Moderne Kunst

erklärt

Von Tania Teixeira

Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst an der Cambridge School of Arts, Großbritannien, und derzeit am Royal College of Arts, London, eingeschrieben.
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Kunst zu machen mag heutzutage schwierig erscheinen, da zeitgenössische Kunst die schwierigste Zeit in der Kunstgeschichte zu definieren ist. Es ist nicht nur zeitlich subjektiv, sondern es gibt auch nichts, was genau bestimmen könnte, was zeitgenössische Kunst ist.

Die Lebensdauer der zeitgenössischen Kunst reicht von 100 bis 10 Jahren. Einige Galerien betrachten alles, was in den letzten zehn Jahren produziert wurde, als zeitgemäß. Andere seit den 70er Jahren oder was auch immer seit 1900 hergestellt wurde. Das Halbzeitjahr, das am häufigsten als Beginn der Ära anerkannt wird, ist 1946/47. TATE definiert es allgemein als

"Kunst der Gegenwart und der relativ jungen Vergangenheit, innovativer oder avantgardistischer Natur"

Wir sprechen von einem 60 Jahre alten Begriff, der viele Veränderungen und Veränderungen in unserer Kultur erlebt hat, was erklärt, warum es so schwer zu definieren ist. Zeitgenössische Kunst ist dann eine Periode innerhalb der Kunstgeschichte, kein Stil an sich. Jeder lebende Künstler gilt als zeitgenössisch, weil wir die kulturellen Rahmenbedingungen, zu denen wir gehören, nicht ändern können.

Für einen lebenden Künstler ist es beispielsweise unmöglich, ein Kunstwerk als modern zu betrachten.

Zeitgenössische Kunst, moderne Kunst usw. werden durch die sozialen und kulturellen Einflüsse definiert, unter denen die Künstler leben. Moderne Kunst bezieht sich auf die Kunst, die um die industrielle Revolution im späten 19. Jahrhundert entstanden ist und die dann einen massiven Einfluss auf die Kunstbewegungen hatte, die weitgehend mit zeitgenössischer Kunst verwechselt werden. Die Kunstbewegungen waren kurzlebige Ästhetiken, die zu dieser Zeit hauptsächlich von der schnelllebigen Industrie beeinflusst wurden.

Künstler können letztendlich sagen, dass ihre Arbeit von so und so Kunstperiode / Bewegung oder Künstler beeinflusst wird.

Es ist jedoch unmöglich, dass ein Künstler Kunst aus einer bestimmten Zeit produziert, da das, was die künstlerischen Entscheidungen von "x" beeinflusst hat, 50 Jahre später nicht wiederholt werden kann.

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Moderne Kunst und zeitgenössische Kunst haben wie jede Kunstperiode eine überlappende Übergangszeit. Und einige Kunstbewegungen gelten als zur zeitgenössischen Kunst gehörig. Der Grund dafür kann die Tatsache sein, dass zeitgenössische Kunst sehr vage ist und nicht nur eine ästhetische Perspektive hat. Kunstbewegungen sind heutzutage leicht als Kunststile für Künstler zu bezeichnen, die Werke produzieren, da es diese Schwierigkeit gibt, eine aktuelle Praxis zu erfassen.

Aufgrund der Überschneidung zwischen moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst können wir davon ausgehen, dass einige Kunstbewegungen einen enormen Einfluss auf die heutigen Kunstwerke innerhalb einer zeitgenössischen Kunstpraxis wie beispielsweise Expressionismus oder Dadaismus haben. Nach 1950 tauchten jedoch auch andere Kunstbewegungen auf, die das unkonventionelle Denken des Beginns der zeitgenössischen Kunst definieren, wie beispielsweise Konzeptkunst oder Performancekunst.

Eine andere Sache, die in der gesamten Kunstgeschichte stark beeinflusst wurde, war die Vielfalt der Medien. Die Medien bis zum Dadaismus (1916-1924) waren sehr traditionell, hauptsächlich Gemälde, wie wir im Impressionismus, Fauvismus usw. sehen können. Das vorausschauende Denken, das die Readymade in die Kunstkultur einbrachte, hat immer noch einen massiven Einfluss auf das zeitgenössische Denken.

Es öffnete Türen, um den Wert von Kunst über ihre Ästhetik hinaus in Frage zu stellen, was dazu führte, dass dies die bedeutendste Veränderung in der Kunstgeschichte war, die nicht nur die Art und Weise beeinflusste, wie wir Kunst heute schätzen, sondern auch die Definition erschwerte.

Kunst wird heutzutage eher anhand ihrer Ideen und Konzepte bewertet. Diese Konzepte üben Druck auf Künstler aus, Kunst zu schaffen, die hinter Vergnügen und Ästhetik steht. Das ist der Grund, warum moderne Kunst und zeitgenössische Kunst so Hand in Hand gehen, weil beide Kunstperioden eine Reflexion und einen Kommentar zur Gesellschaft des gegenwärtigen Kunstwerks sind, aber beide unterschiedlich ausgedrückt werden.

Die zeitgenössische Kunst ist offener für die Erforschung und das Experimentieren von Medien und Konzepten, da die moderne Kunst durch technische Fähigkeiten eher Ausdruck von Werten und Idealen der Zeit ist.

Wie können Sie Ihre Kunstwerke richtig kategorisieren?

Denken Sie zunächst daran, dass Sie zur Kategorisierung Ihrer Kunstwerke analysieren müssen, was Sie beeinflusst hat, um einige Entscheidungen und Medien zu treffen. Sie müssen einen Schritt außerhalb Ihrer Arbeit machen, um sie so zu sehen, wie andere sie sehen und ihre Einflüsse richtig sehen können. Künstler können zu sehr in ihre Praxis hineingezogen werden und es fällt ihnen schwer, sie richtig zu analysieren. Natürlich kennen Künstler mehr als jeder andere den Weg und den Prozess, den sie eingeschlagen haben, um dahin zu gelangen, wo sich das Kunstwerk jetzt befindet, aber das bedeutet nicht, dass es für jeden etwas Transparentes ist.

Und deshalb ist es wichtig, einen Schritt zurückzutreten und Ihre Arbeit als Außenseiter, als Kunstkritiker zu betrachten.

Ich habe einige Beispiele aus verschiedenen Zeiträumen, Medien usw. ausgewählt, um die Aufgabe klarer zu gestalten.

Dies sind die Fragen, die Sie immer zu jedem Kunstwerk stellen sollten, einschließlich Ihres eigenen, um es beim Verkauf oder bei der Beschreibung richtig zu kategorisieren:

  1. Beschreiben Sie, was Sie sehen, und versuchen Sie, das abgebildete Thema / Thema genau zu bestimmen.
  2. Was versuchte der Künstler zu erforschen?
  3. Was ist das Medium?
  4. Gibt es historische / kulturelle Einflüsse?

Kategorisierung Ihrer Arbeit: Beispiele

Nachdem ich das Kunstwerk aufmerksam analysiert habe, sind dies meine Antworten auf die obigen Fragen:

  1. Landschaft
  2. Erforschung von Farben; Wahrnehmung des Realen
  3. Malerei
  4. Fauvismus

Und ohne viel über das Kunstwerk zu wissen, können wir diese vier Fragen dennoch beantworten. Das Kunstwerk lässt sich automatisch kategorisieren und kann eingehender analysiert werden.

David Hockney könnte das perfekte Beispiel dafür sein, wie es ist, die Übergangszeit zwischen moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst zu überstehen.

Hockney wurde 1937 als Baby der modernen Kunst geboren. In den 60er Jahren begann er Kunst zu produzieren.

Er ist ein zeitgenössischer Künstler, aber mit unbestreitbaren Wurzeln und Einflüssen auf die spätmoderne Kunst. Seine Praxis ist geprägt von farbenfrohen und meist flachen, einfachen Flecken, die Einflüsse der fauvistischen Bewegung zeigen. Auch der semi-abstrakte, kühne Ausdruck zeigt Einflüsse der Pop-Art in Richtung einer illustrativen Perspektive. Semi-Abstract, weil die Farben nicht der exakten Darstellung des Realen entsprechen, aber es ist figurativ / illustrativ, weil Sie Elemente des Bildes als Bäume hervorheben können.

Wie würden Sie David Hockneys Kunstwerk kategorisieren?

  1. Zeitperiode: Zeitgenössisch
  2. Medium: Malerei
  3. Thema: Landschaft
  4. Einflüsse: Fauvismus

Auch hier kann sich der Zeitraum, in den Sie eingefügt werden, nicht ändern, daher ist zeitgenössische Kunst immer die Antwort.

Das Medium bezieht sich auf die Form / das Material, das Ihre Arbeit in der Welt annimmt (Skulptur, Malerei, Zeichnung, Digital usw.).

Das Thema ist das, was aus der Arbeit wahrnehmbar ist.

Sehen wir uns ein weiteres Beispiel an.

Machen wir also die gleiche Übung und versuchen wir, die vier Fragen erneut zu beantworten

  1. Beschreiben Sie, was Sie sehen, und versuchen Sie, das abgebildete Thema / Thema genau zu bestimmen: Stillleben
  2. Was versuchte der Künstler zu erforschen? Bedeutung von Objekten und deren Verwendung.
  3. Was ist das Medium? Skulptur / Montage / Installation Art.-Nr.
  4. Gibt es historische / kulturelle Einflüsse? Pop-Art, Dadaismus

Mike Kelley wurde 1954 geboren und ist damit ein Baby für zeitgenössische Kunst.

Obwohl er Ende der 70er Jahre mit der Produktion von Kunstwerken begann, hatte die Pop-Art einen erheblichen Einfluss auf seine künstlerische Praxis.

Er beschäftigt sich mit verschiedenen Themen, ist aber vor allem für seine Verwendung von Stofftieren in seinen Werken bekannt.

Die Stofftiere gelten selbst als "Stillleben", da sie nicht lebende Objekte sind.

Die Idee des Plüschtiers untersucht auch den Begriff des Nutzens und Konsums, den uns die Pop-Art bringt - eine farbenfrohe, kühne, lustvolle Kritik an der kapitalistischen Kultur und dem Wert von Objekten. Wir können einige dadaistische Einflüsse aufgrund der Verwendung von Alltagsgegenständen beim Heben assoziieren "Material aus der Massenkultur und 'pervertieren', um seine Bedeutung umzukehren oder zu ändern".

Die Medien hier könnten der schwierigste Teil bei der Analyse dieses Bildes sein: Skulptur, weil es ein 3D-Objekt ist, etwas Tastbares; Assemblage, weil es sich um eine Kuration von Objekten handelt; Installation, weil es ein immersives Erlebnis ist.

Wie würden Sie Mike Kelleys Kunstwerk kategorisieren?

  1. Zeitperiode: Zeitgenössisch
  2. Medium: Skulptur (am einfachsten zu verstehen)
  3. Thema: Stillleben
  4. Einflüsse: Pop-Art, Dadaismus

Wie Sie an diesen beiden Beispielen sehen können, wirken sich die Einflüsse, die Sie auf Ihre Arbeit annehmen, natürlich auf die Perspektive des Betrachters auf Ihre Arbeit aus.

Die Festlegung Ihrer Einflüsse ist beispielsweise wichtig, um Ihre Arbeit wertvoller und für Käufer verständlicher zu machen.

Aber verwechseln Sie niemals das Kopieren mit Einflüssen. Ihre Arbeit sollte in Bezug auf Ihre Einflüsse irgendwie neu und relevant für heute sein. Pop-Art war ein enormer Einfluss auf Mike Kelleys Praxis; Es wird jedoch niemals mit Andy Warhols Werken verwechselt werden.

Die andere Sache ist, dass die Kategorisierung des Mediums nicht immer direkt und unkompliziert ist. Einige zeitgenössische Werke bewegen sich sehr stark zwischen "a" oder "b", und das macht zeitgenössische Kunst so faszinierend.

Diese Arbeit von Steven Parrino zeigt zum Beispiel die Grenze zwischen einem Gemälde und einer Skulptur und reagiert auf das Diktum "Malerei ist tot". Aber hier ist die Aussage der Künstler zur Arbeit notwendig. Der Künstler muss letztendlich das erste und letzte Wort berücksichtigen, wenn es darum geht, das Kunstwerk zu beschreiben.

Der Künstler muss letztendlich das erste und letzte Wort berücksichtigen, wenn es darum geht, das Kunstwerk zu beschreiben.

Andere Leute können sagen, dass dies eine Installation ist. Wenn der Künstler jedoch zuversichtlich ist, warum dies ein Gemälde ist, wird es immer ein Gemälde sein.

Zuletzt möchte ich Ihnen ein Beispiel hinterlassen, das ich wirklich für notwendig und schwer zu verstehen halte.

Wiederholen Sie die Übung mit den vier Fragen.

  1. Beschreiben Sie, was Sie sehen, und versuchen Sie, das abgebildete Thema / Thema genau zu bestimmen: Stillleben
  2. Was versuchte der Künstler zu erforschen? Den Wert der Kunst in Frage stellen
  3. Was ist das Medium? Skulptur
  4. Gibt es historische / kulturelle Einflüsse? Dadaismus / Konzeptkunst

Maurizio Cattelan war der am meisten diskutierte Künstler des vergangenen Jahres als Artnet Zustände. Der italienische zeitgenössische Künstler verkaufte diese Banane für Millionen, und das Internet war verrückt danach.

Dieses Stück wird als Stillleben eingestuft, weil das, was für die Augen sichtbar ist, einfach eine Banane ist: nicht lebende Natur.

Obwohl der Künstler dies für eine Skulptur hält, können andere sagen, dass das ausgestellte Werk zu einer Art Performance wurde. Der dadaistische Einfluss ist offensichtlich, weil Cattelan ein gewöhnliches Objekt nimmt und es als Kunst präsentiert und seinen Wert in Frage stellt. Aber konzeptionell? Ja. Dieses Kunstwerk ist hauptsächlich konzeptionell. Warum? Weil das Kunstwerk nicht genau die aufgeklebte Banane selbst ist.

Das Kunstwerk ist eine Reihe von Regeln, um diese Arbeit zu machen; Es ist eine reine Idee mit Urheberrechten. Die Banane wurde nicht verkauft, die Idee war.

Viele Leute verwechseln Konzeptkunst mit der Tatsache, dass sie eine Idee für das Kunstwerk hatten. Natürlich hast du! Aber das macht Ihre Arbeit nicht konzeptionell.

Konzeptuell ist ein tieferer, rationalerer Begriff, der hinter materiellen Arbeiten und Ästhetik steht. Es ist eine reine und rohe Idee. Nicht etwas, das aus einer Idee gemacht wurde. Konzeptkunst ist die Idee selbst, keine Demonstration einer Idee.

Begriffe erklärt

Nachdem Sie nun einen Einblick in die Kategorisierung Ihrer Kunstwerke in Bezug auf Medium, Thema und Zeitraum erhalten haben, werde ich Ihnen eine Liste von Begriffen hinterlassen, die möglicherweise ausführlicher erklären, was jede Sache bedeutet.

Themen

weit entfernte Landschaften

unbewegliche Natur / Objekte

im Zusammenhang mit Gebäuden und deren Innenräumen

Träume, Fantasien, Illustrationen, Ereignisse, Mythologien usw. - was auch immer eine Geschichte erzählt

reale Situationen ohne wahrnehmbare Veränderungen

Details der Realität bis zum Äußersten (normalerweise basierend auf Fotografien)

Vom semi-abstrakten zum abstrakten Expressionismus. Jede Arbeit, die eine Art Abstraktion der realen Welt darstellt.

ein Bild, auf dem eine Person oder eine Gruppe von Personen identifiziert werden kann.

Andere Begriffe erklärt

Eine Form der Abstraktion vom Realen. Locker in Form, Form und Farbe. Zeigt eine Wahrnehmung und Interpretation der Realität.

Es ist unmöglich, figurative Elemente zu lokalisieren. Fokus in Form, Form und Farbe.

Vollständige Abstraktion und Loslösung von der Realität. Es ist unmöglich, irgendeine Form oder Gestalt zu erkennen, wie sie in der Welt gesehen wird.

Es ist ein Anreiz für den Intellektuellen. Repräsentiert eine Idee. Nicht durch eine Ästhetik definiert. Es kann verschiedene Medien und Formen annehmen. Nicht zu verwechseln mit dem Akt, ein Kunstwerk für die Idee zu produzieren. Konzeptkunst ist die Idee, die Kritik selbst.

Konzentriert sich auf die Produktion von Kunstwerken, die Text enthalten. Dieser Text ist normalerweise der zentrale Punkt des Kunstwerks und lenkt den Betrachter auf eine Absicht. Textbasierte Kunst ist sehr poetisch, konfrontativ.

Eine Erforschung des Mediums. Minimalist möchte ausschließlich die Materialien, Farben oder Formen erforschen, ohne darüber hinaus eine andere Absicht oder Idee zu haben.

Semi-abstrakte Wahrnehmung des Realen in einer Fantasiewelt. Diese Arbeiten sind in der Regel mehr als eine fantastische Wahrnehmung der Welt. In der Regel handelt es sich um eine Sammlung von Elementen, um bestimmte Bedeutungen zu erforschen / eine Geschichte wie in Träumen zu erzählen.

Verwendet Verweise auf die Massenproduktion und kritisiert eine massenkonsumierte Kultur. In der Regel sind kühne Aussagen, weil sie auf Design und Werbung verweisen.

Zusammenfassung

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das 21. Jahrhundert eine schwierige Zeit ist, in der man leben kann. Noch komplexer ist es, ein zeitgenössischer Künstler zu sein.

Es ist wichtig, Ihre historischen Präzedenzfälle und ihre Einflüsse zu verstehen, um die Begriffe vollständig zu verstehen und eine genaue Aussage über Ihre aktuelle Praxis zu machen.

Mit diesem Artikel erhalten Sie eine kleine Vorstellung davon, wie Sie Ihre Kunstwerke zeitgemäß einfügen können. Hoffentlich hilft es Ihnen, Ihre Arbeiten zu veröffentlichen ARTMO sicher verkauft werden!

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Wenn Sie mehr über Kunstbewegungsperioden und Medien im Detail erfahren möchten, besuchen Sie unsere ARTMO ! "Genres" um mehr zu lesen.

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Tania Teixeira

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