Genres artistiques | ARTMO | Le réseau social autour de l'art

GENRE ARTISTIQUE

MEDIUM

PÉRIODE

DÉFINITION

Expressionisme abstrait

Art abstrait

Calligraphie

Art conceptuel

Art concret

Constructivisme

Cubisme

Art documentaire

Expressionnisme

Art fantastique

Art figuratif

Illustration

Impressionnisme

Réalisme magique

Minimalisme

Pop art

Réalisme

Surréalisme

Dans les arts visuels, les genres artistiques décrivent et catégorisent le style avec lequel le sujet d'une œuvre d'art est représenté ou formé.

Cependant, le terme "genre artistique" est une définition pour le style et non pas pour le médium utilisé (matériaux).

Par conséquent, même les sculptures par exemple, et pas seulement les peintures, peuvent être abstraites, figuratives, concrètes, etc., en termes de genre artistique.

Note :

Puisque certains genres artistiques ont des caractéristiques se superposant à d'autres, il est raisonnable de décrire une œuvre d'art comme appartenant à plus d'un genre.

Cependant, certains genres ne devraient pas être choisis ensemble pour décrire une même œuvre d'art, car ils se contrediraient.

Quelques exemples de plusieurs genres pouvant être choisis ensemble pour décrire une même œuvre pourraient être :

Expressionnisme abstrait et Art abstrait
Réalisme et Art figuratif

Quelques exemples de genres qui ne devraient pas être choisis ensemble pour catégoriser une même œuvre, car cela serait contradictoire :

Art abstrait et Art figuratif
Art abstrait et Cubisme
Art abstrait et Art conceptuel
Surréalisme et Réalisme
Art fantastique et Art figuratif

Quelques exemples de genres artistiques indépendants qui ne devraient pas être utilisés avec un autre genre pour décrire une même œuvre :

Art conceptuel
Art concret
Pop art
Minimalisme

L'art abstrait utilise un langage visuel de forme, couleur et ligne.

Une composition qui peut exister avec un degré d'indépendance par rapport aux références visuelles du monde.

Les formes, les couleurs, les tons, et les marques gestuelles sont utilisés, tout en évitant une représentation littérale du monde visible.

L'art abstrait, l'art non figuratif, l'art non objectif et l'art non représentatif sont des termes plus ou moins apparentés.

Ils sont similaires, mais peut-être pas de signification identique.
L'abstraction indique un écart par rapport à la réalité en ce qui concerne la représentation dans l'art.

Cet écart par rapport à la représentation exacte peut être léger, partiel ou complet. L'abstraction existe tout au long d'un continuum.

Même de l'art qui vise la vraisemblance du plus haut degré peut être considéré comme abstrait, du moins en théorie, du fait qu'une représentation parfaite est susceptible d'être extrêmement insaisissable.

Note :
Une œuvre d'art abstraite ne peut pas être qualifiée en plus de figurative, car cela serait contradictoire.

La calligraphie est un art visuel lié à l'écriture.

Il s'agit de la conception et de l'exécution du lettrage avec un instrument à pointe large, un pinceau ou un autre instrument d'écriture.

Une pratique calligraphique contemporaine peut être définie comme l'art de donner forme aux signes de manière expressive, harmonieuse et habile.

La calligraphie moderne va des inscriptions et des dessins fonctionnels aux œuvres d'art où les lettres peuvent ou non être lisibles. La calligraphie classique diffère de la typographie et du lettrage à la main non classique, bien qu'un calligraphe puisse pratiquer les deux.

La calligraphie continue de prospérer sous la forme d'invitations de mariage et d'invitations à des événements, de conception de polices et de typographie, de conception de logo manuscrite originale, d'art religieux, d'annonces, de conception graphique et d'art calligraphique commandé, d'inscriptions en pierre de taille et de documents commémoratifs.

Il est également utilisé pour les accessoires et les images animées pour le cinéma et la télévision, ainsi que pour les témoignages, les certificats de naissance et de décès, les cartes et autres travaux écrits.

L'art conceptuel utilise souvent des objets du monde réel assemblés dans une installation ou une sculpture.

L'idée et le concept de l'œuvre sont plus importants que l'objet et les préoccupations esthétiques. L'art conceptuel peut être - et peut ressembler à - presque n'importe quoi.

La raison en est que, contrairement à un peintre ou à un sculpteur qui réfléchira à la meilleure façon d’exprimer son idée en utilisant de la peinture ou des matériaux et des techniques de sculpture, un artiste conceptuel utilisera tous les matériaux et la forme qui lui conviendront le mieux, quels qu'ils soient, pour exprimer son idée - cela pouvant aller d'une performance à une description écrite.

Bien qu’il n’existe pas de style ou de forme unique utilisé(e) par les artistes conceptuels, certaines tendances ont émergé de la fin des années 1960.

Note :
Bien que de nombreux artistes aient un "concept" en tête avant de commencer à créer, cela ne fait pas de l’œuvre réalisée une œuvre d'art conceptuel.

L'œuvre finale elle-même doit être reconnue comme un concept d'une façon ou d'une autre. La caractéristique la plus évidente en est l'utilisation d'éléments qui ne sont généralement pas utilisés pour créer une œuvre d'art.

Le constructivisme était une philosophie artistique et architecturale qui a trouvé son origine en Russie à partir de 1913 avec Vladimir Tatlin.

Le constructivisme représentait un rejet de l'idée d'art autonome. Vladimir Tatlin voulait « construire » l'art.

Le mouvement était en faveur de l'art pensé comme pratique à des fins sociales.

Le constructivisme a eu un grand effet sur les mouvements d'art moderne du 20e siècle, influençant de grandes tendances telles que les mouvements Bauhaus et De Stijl. Son influence a été très répandue, avec des effets majeurs sur l'architecture, la sculpture, le graphisme, le design industriel, le théâtre, le cinéma, la danse, la mode et, dans une certaine mesure, la musique.

"Art figuratif" est utilisé pour décrire des œuvres d'art qui gardent une forte référence au monde réel, et en particulier à la figure humaine.

Le terme est devenu plus populaire après la montée en popularité de l'art abstrait, afin de décrire les artistes qui ont conservé des références au monde réel dans leurs œuvres.

Ainsi l'art figuratif est, par définition, représentationnel.

Des œuvres d'art sont souvent qualifiées à tort d'œuvres d'art figuratif simplement parce qu'une "figure" y est représentée.

La seule représentation d'une "figure" ne fait pas d'une œuvre d'art une œuvre d'art figuratif. Pour être qualifiée ainsi, l'œuvre doit montrer le sujet avec une précision presque photographique.

Cela compte pour tous les supports, qu’il s’agisse d'une peinture ou d'une sculpture par exemple.

Note :
Comme l'art figuratif est en contraste majeur avec l'art abstrait, une œuvre d'art ne peut pas être qualifiée d'œuvre d'art abstrait et d'art figuratif, car cela serait contradictoire.

Une illustration est une décoration, interprétation ou explication visuelle d'un texte, concept ou processus, conçue pour être intégrée dans des supports publiés, tels que les affiches, flyers, magazines, livres, matériaux pédagogiques, animations, jeux vidéo et films.

L'illustration en tant qu'art :

De nos jours, en partie suite à l’essor des industries du roman graphique et du jeu vidéo, ainsi que de l'utilisation accrue de l'illustration dans les magazines et autres publications, l'illustration devient une forme d'art appréciée, à même d'intéresser un marché mondial.

Le pop art est souvent considéré comme un mouvement artistique.

Il a émergé en Grande-Bretagne et aux États-Unis entre le milieu et la fin des années 1950.

Ce mouvement a posé un défi aux beaux-arts traditionnels en incluant des images issues de la culture populaire et de masse, telles que des images venant de la publicité, des bandes dessinées, ainsi que des objets culturels banals.

L’un des objectifs du pop art est d’utiliser des images de la culture populaire dans l’art (par opposition à la culture élitiste), en insistant sur les éléments banals ou kitsch qu'on peut retrouver dans toute culture, le plus souvent au moyen de l’ironie.

Le pop art est également associé à l'utilisation par les artistes de moyens mécaniques de reproduction ou de techniques de rendu. Des éléments sont parfois retirés visuellement de leur contexte connu pour être isolés ou combinés avec des éléments sans lien.

En raison de sa réutilisation d'objets et d'images, le pop art est similaire au Dada.

Le pop art et le minimalisme sont considérés ou bien comme des mouvements artistiques qui précèdent l'art post moderne, ou bien comme étant eux-mêmes parmi les plus anciens exemples d'art post moderne.

Le pop art utilise souvent des images qui sont en cours d'utilisation dans la publicité.

Les étiquetages de produits et les logos ont une place prédominante dans les images choisies par les artistes pop, comme on peut voir dans les Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol.

Même de l’étiquetage sur l'extérieur d’une boîte d’expédition contenant des produits alimentaires destinés à la vente au détail a été utilisé comme sujet par le pop art, comme le montre la Campbell's Tomato Juice Box de Warhol, 1964.

DÉFINITION

Collage

Design

Arts numériques

Dessin

Techniques mixtes

Multimédia

Nouveaux médias

Peinture

Sculpture

Le design, en arts appliqués, englobe tous les arts qui appliquent le design et la décoration à des objets de tous les jours et objets à visée essentiellement pratique, afin de les rendre esthétiques.

Le terme est utilisé en distinction avec les beaux-arts, qui eux produisent des objets qui n'ont pas d'utilisation pratique, dont le seul but est d'être beaux ou de stimuler l'intellect d'une manière ou d'une autre.

En pratique, les deux se chevauchent souvent. Les arts appliqués chevauchent largement les arts décoratifs, et la façon moderne de réaliser de l'art appliqué est généralement appelée design. Cependant, dans les arts appliqués, le terme design ne doit être utilisé que pour les objets 3D, et non pour la 2D (peintures, etc.).

Note :
Le design, dans sa définition courante (hors du domaine des arts appliqués), est un plan ou un cahier des charges pour la construction d'un objet ou d'un système, ou pour la mise en œuvre d'une activité ou d'un processus.

Les dessins sont des œuvres créées en utilisant divers instruments pour marquer le papier ou un autre support bidimensionnel. Ces instruments comprennent les crayons graphite, la plume et l’encre, les crayons de couleur, le fusain, la craie, les divers types de gommes, de feutres et de stylets.

Un instrument à dessin libère une petite quantité de matériau sur une surface, laissant une marque visible. Le support le plus courant pour le dessin est le papier, bien que d’autres supports, tels que le carton, le bois, le plastique, le cuir, la toile et le carton, puissent être utilisés.

Le dessin est l'une des formes d'expression humaine les plus anciennes des arts visuels. Il s’agit généralement de marquer des lignes et des zones de tons sur du papier ou un autre support, où la représentation précise du monde visuel peut s'exprimer sur une surface plane. Les dessins traditionnels étaient monochromes, ou avaient très peu de couleur, tandis que les dessins au crayon de couleur modernes peuvent approcher ou franchir la frontière entre dessin et peinture.

Dans la terminologie occidentale, le dessin est distinct de la peinture, même si des médiums similaires sont souvent utilisés dans les deux. Des matériaux secs, normalement associés au dessin, tels que la craie, peuvent être utilisés dans les peintures au pastel. Un dessin peut être fait avec un médium liquide, appliqué avec des pinceaux ou des stylos. De la même façon, des supports similaires peuvent être utilisés pour les deux : la peinture implique généralement l’application de peinture liquide sur des toiles ou des panneaux préparés, mais il arrive parfois qu’un sous-dessin soit tracé en premier sur ce même support.

Techniques mixtes décrit des œuvres composées avec une combinaison de différents supports ou matériaux.

Quelle est la différence entre des œuvres de techniques mixtes ("mixed media" en anglais) et des œuvres multimédia ?

Alors que les deux termes décrivent des œuvres réalisées à l'aide de matériaux variés, "multimédia" est généralement utilisé pour définir des œuvres qui utilisent ou incluent une combinaison de supports électroniques, tels que les supports vidéo, film, audio et les ordinateurs.

L'art multimédia est une discipline innovante qui cherche à unifier un large éventail de formes d'art.

Cette vision créative est réalisée en combinant une variété d'idées artistiques et de métiers tels que le cinéma, la littérature, la performance, la musique et le son, le théâtre, les arts visuels ou le design.

Note :

Quelle est la différence entre des œuvres de techniques mixtes ("mixed media" en anglais) et des œuvres multimédia ?

Alors que les deux termes décrivent des œuvres réalisées à l'aide de matériaux variés, "multimédia" est généralement utilisé pour définir des œuvres qui utilisent ou incluent une combinaison de supports électroniques, tels que les supports vidéo, film, audio et les ordinateurs.

La peinture consiste à appliquer de la peinture, un pigment, une couleur ou un autre medium sur une surface solide (base de support).

Le médium est généralement appliqué sur la base avec un pinceau, mais d'autres instruments, tels que les couteaux, les éponges et les aérographes, peuvent être utilisés.

Le travail final s'appelle également une peinture.

La peinture est une forme importante dans les arts visuels. Elle intègre des éléments tels que le dessin, le geste (comme dans la peinture gestuelle), la composition, la narration (comme dans l'art narratif) et l'abstraction (comme dans l'art abstrait).

Les peintures peuvent être naturalistes et représentatives (comme dans les nature mortes et les peintures de paysages), photographiques, abstraites, narratives, symboliques (comme dans l'art symboliste), émotives (comme dans l'expressionnisme) ou politiques (comme dans l'artivisme).

DÉFINITION

Art contemporain

Art moderne

Les arts visuels sont classés par périodes temporelles dans l'ordre suivant :

Art classique ancien
Art médiéval
Renaissance
Romantisme
Art moderne
Art contemporain

Ces termes sont souvent mal utilisés car ils ne décrivent pas le style (genre artistique) dans lequel une œuvre est créée en particulier.

Il faut noter qu'il y a eu des périodes où un style était préféré. Néanmoins, ces termes sont généralement une définition de "quand" et non de "comment".

Les historiens de l'art examinent les œuvres dans leur contexte temporel. Cependant, on peut souvent constater que des définitions de périodes se chevauchent, en fonction de l'historien de l'art ou le musée qui les définit. Les historiens de l'art prennent souvent en compte les motivations et les impératifs du créateur de l'œuvre, en tenant compte des désirs et des préjugés de ses patrons et sponsors, avec une analyse comparative des thèmes et des approches des collègues et des enseignants du créateur de l'œuvre, et en tenant compte de l'iconographie et du symbolisme.

En bref, cette approche examine l'œuvre d'art dans le contexte du monde dans lequel elle a été créée.

Toutefois, quelles que soient les définitions qui se chevauchent, les termes contemporain, moderne, etc., décrivent en premier lieu une période donnée.

Qu'une œuvre d'art soit qualifiée de contemporaine est une indication qu'elle a été créé dans le présent.

"Présent", dans ce contexte, définit l'art produit de 1946 à nos jours.

Toutes les œuvres, quels qu'en soient le style, la technique ou le genre, créées par un artiste vivant, sont par défaut contemporaines. Par conséquent, il est littéralement impossible pour un artiste vivant de créer une oeuvre "moderne".

La définition de ce qui est contemporain est naturellement toujours en mouvement, ancré dans le présent avec une date de début qui avance. Les œuvres que la Société d'Art Contemporain a achetées en 1910 ne pourraient plus être décrites comme contemporaines.

Certains définissent l'art contemporain comme un art produit durant "la période de notre vie", reconnaissant que les durées de vie varient. Cependant, il est reconnu que cette définition générique est sujette à des limitations spécialisées.

La classification de "l'art contemporain" en tant que type d'art particulier plutôt qu'en tant que phrase adjectivale générale, remonte aux débuts du modernisme dans le monde anglo-saxon. À Londres, la Société d'Art Contemporain a été fondée en 1910 par le critique Roger Fry et d'autres, en tant que société privée destinée à l'achat d'œuvres d'art à placer dans des musées publics. Un certain nombre d'autres institutions utilisant ce terme ont été fondées dans les années 1930, comme en 1938 la Société d'Art Contemporain d'Adélaïde en Australie, ainsi qu'un nombre croissant après 1945.

Beaucoup, comme l’Institut d'Art Contemporain à Boston, ont acquis leur nom actuel en changeant de nom depuis des noms qui utilisaient "art moderne" durant cette période. Le modernisme est devenu défini comme un mouvement artistique historique et une grande partie de l’art "moderne" a cessé d’être "contemporain".

Note :
"Contemporain" ne définit pas de genre artistique spécifique comme l’art abstrait, le réalisme, le Pop Art, etc.

L’art moderne comprend les œuvres d'art réalisées au cours de la période allant approximativement de :

1860 à 1945.

Le terme est généralement associé à des œuvres dans lesquelles les traditions du passé ont été mises de côté dans un esprit d'expérimentation.

Les artistes modernes ont expérimenté avec de nouvelles façons de voir, ainsi qu'avec de nouvelles idées sur la nature des matériaux et les fonctions de l’art.

Une tendance à s'éloigner de la narration, qui caractérisait les arts traditionnels, pour se rapprocher de l'abstraction est caractéristique de la plus grande partie de l'art moderne. La production artistique plus récente que l'art moderne est souvent appelée art contemporain ou art post moderne.

L'art moderne commence avec l'héritage de peintres tels que Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec, qui ont tous joué un rôle essentiel dans son développement. Au début du 20e siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes, dont les pré-cubistes Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger et Maurice de Vlaminck ont révolutionné le monde de l'art parisien avec des paysages et des peintures figuratives "sauvages", multicolores et expressifs, que les critiques ont appelé le Fauvisme. Les deux versions de La Danse de Matisse ont marqué un tournant dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Elles reflétaient la fascination naissante de Matisse pour l’art primitif : la couleur chaude et intense des personnages sur le fond bleu-vert ainsi que la succession rythmique des nus dansants transmettent des sentiments de libération émotionnelle et d’hédonisme.

Note :
Beaucoup, comme l’Institut d'Art Contemporain à Boston, ont acquis leur nom actuel en changeant de nom depuis des noms qui utilisaient "art moderne" durant cette période. Le modernisme est devenu défini comme un mouvement artistique historique et une grande partie de l’art "moderne" a cessé d’être "contemporain".

Par conséquent, en général, un artiste vivant ne peut pas qualifier ses œuvres d'art moderne, car cette période fait référence à des artistes déjà décédés.

GENRE ARTISTIQUE

MEDIUM

PÉRIODE

DÉFINITION

Expressionisme abstrait

Art abstrait

Art conceptuel

Art concret

Cubisme

Art documentaire

Expressionnisme

Art fantastique

Art figuratif

Illustration

Impressionnisme

Réalisme magique

Minimalisme

Pop art

Réalisme

Surréalisme

Note :

Expressionnisme abstrait et Art abstrait
Réalisme et Art figuratif

Quelques exemples de genres qui ne devraient pas être choisis ensemble pour catégoriser une même œuvre, car cela serait contradictoire :

Art abstrait et Art figuratif
Art abstrait et Cubisme
Art abstrait et Art conceptuel
Surréalisme et Réalisme
Art fantastique et Art figuratif

Quelques exemples de genres artistiques indépendants qui ne devraient pas être utilisés avec un autre genre pour décrire une même œuvre :

Art conceptuel
Art concret
Pop art
Minimalisme

La raison en est que, contrairement à un peintre ou à un sculpteur qui réfléchira à la meilleure façon d’exprimer son idée en utilisant de la peinture ou des matériaux et des techniques de sculpture, un artiste conceptuel utilisera tous les matériaux et la forme qui lui conviendront le mieux, quels qu'ils soient, pour exprimer son idée - cela pouvant aller d'une performance à une description écrite.

Bien qu’il n’existe pas de style ou de forme unique utilisé(e) par les artistes conceptuels, certaines tendances ont émergé de la fin des années 1960.

Le terme est devenu plus populaire après la montée en popularité de l'art abstrait, afin de décrire les artistes qui ont conservé des références au monde réel dans leurs œuvres.

Ainsi l'art figuratif est, par définition, représentationnel.

Des œuvres d'art sont souvent qualifiées à tort d'œuvres d'art figuratif simplement parce qu'une "figure" y est représentée.

La seule représentation d'une "figure" ne fait pas d'une œuvre d'art une œuvre d'art figuratif.

Pour être qualifiée ainsi, l'œuvre doit montrer le sujet avec une précision presque photographique.

Cela compte pour tous les supports, qu’il s’agisse d'une peinture ou d'une sculpture par exemple.

Ce mouvement a posé un défi aux beaux-arts traditionnels en incluant des images issues de la culture populaire et de masse, telles que des images venant de la publicité, des bandes dessinées, ainsi que des objets culturels banals.

L’un des objectifs du pop art est d’utiliser des images de la culture populaire dans l’art (par opposition à la culture élitiste), en insistant sur les éléments banals ou kitsch qu'on peut retrouver dans toute culture, le plus souvent au moyen de l’ironie.

Le pop art est également associé à l'utilisation par les artistes de moyens mécaniques de reproduction ou de techniques de rendu. Des éléments sont parfois retirés visuellement de leur contexte connu pour être isolés ou combinés avec des éléments sans lien.

En raison de sa réutilisation d'objets et d'images, le pop art est similaire au Dada.

Le pop art et le minimalisme sont considérés ou bien comme des mouvements artistiques qui précèdent l'art post moderne, ou bien comme étant eux-mêmes parmi les plus anciens exemples d'art post moderne.

Le pop art utilise souvent des images qui sont en cours d'utilisation dans la publicité.

Les étiquetages de produits et les logos ont une place prédominante dans les images choisies par les artistes pop, comme on peut voir dans les Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol.

Même de l’étiquetage sur l'extérieur d’une boîte d’expédition contenant des produits alimentaires destinés à la vente au détail a été utilisé comme sujet par le pop art, comme le montre la Campbell's Tomato Juice Box de Warhol, 1964.

DÉFINITION

Collage

Arts numériques

Techniques mixtes

Multimédia

Nouveaux médias

Peinture

Sculpture

La peinture est une forme importante dans les arts visuels. Elle intègre des éléments tels que le dessin, le geste (comme dans la peinture gestuelle), la composition, la narration (comme dans l'art narratif) et l'abstraction (comme dans l'art abstrait).

Les peintures peuvent être naturalistes et représentatives (comme dans les nature mortes et les peintures de paysages), photographiques, abstraites, narratives, symboliques (comme dans l'art symboliste), émotives (comme dans l'expressionnisme) ou politiques (comme dans l'artivisme).

DÉFINITION

Art contemporain

Art moderne

Les historiens de l'art examinent les œuvres dans leur contexte temporel.

Cependant, on peut souvent constater que des définitions de périodes se chevauchent, en fonction de l'historien de l'art ou le musée qui les définit.

Les historiens de l'art prennent souvent en compte les motivations et les impératifs du créateur de l'œuvre, en tenant compte des désirs et des préjugés de ses patrons et sponsors, avec une analyse comparative des thèmes et des approches des collègues et des enseignants du créateur de l'œuvre, et en tenant compte de l'iconographie et du symbolisme.

En bref, cette approche examine l'œuvre d'art dans le contexte du monde dans lequel elle a été créée.

Toutefois, quelles que soient les définitions qui se chevauchent, les termes contemporain, moderne, etc., décrivent en premier lieu une période donnée.

La définition de ce qui est contemporain est naturellement toujours en mouvement, ancré dans le présent avec une date de début qui avance. Les œuvres que la Société d'Art Contemporain a achetées en 1910 ne pourraient plus être décrites comme contemporaines.

Certains définissent l'art contemporain comme un art produit durant "la période de notre vie", reconnaissant que les durées de vie varient. Cependant, il est reconnu que cette définition générique est sujette à des limitations spécialisées.

La classification de "l'art contemporain" en tant que type d'art particulier plutôt qu'en tant que phrase adjectivale générale, remonte aux débuts du modernisme dans le monde anglo-saxon. À Londres, la Société d'Art Contemporain a été fondée en 1910 par le critique Roger Fry et d'autres, en tant que société privée destinée à l'achat d'œuvres d'art à placer dans des musées publics. Un certain nombre d'autres institutions utilisant ce terme ont été fondées dans les années 1930, comme en 1938 la Société d'Art Contemporain d'Adélaïde en Australie, ainsi qu'un nombre croissant après 1945.

Beaucoup, comme l’Institut d'Art Contemporain à Boston, ont acquis leur nom actuel en changeant de nom depuis des noms qui utilisaient "art moderne" durant cette période. Le modernisme est devenu défini comme un mouvement artistique historique et une grande partie de l’art "moderne" a cessé d’être "contemporain".

Note :
"Contemporain" ne définit pas de genre artistique spécifique comme l’art abstrait, le réalisme, le Pop Art, etc.

Une tendance à s'éloigner de la narration, qui caractérisait les arts traditionnels, pour se rapprocher de l'abstraction est caractéristique de la plus grande partie de l'art moderne. La production artistique plus récente que l'art moderne est souvent appelée art contemporain ou art post moderne.

L'art moderne commence avec l'héritage de peintres tels que Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec, qui ont tous joué un rôle essentiel dans le développement de l'art moderne.

Au début du 20e siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes, dont les pré-cubistes Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger et Maurice de Vlaminck révolutionnent le monde de l'art parisien avec des paysages "sauvages", multicolores et expressifs. et représenter des peintures que les critiques ont appelé le fauvisme.

Les deux versions de Matisse dans La danse ont marqué un tournant dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Cela reflétait la fascination naissante de Matisse pour l’art primitif: la couleur chaude et intense des personnages sur le fond bleu-vert et la succession rythmique des nus dansants traduisent des sentiments de libération émotionnelle et d’hédonisme.

Note :
Beaucoup, comme l’Institut d'Art Contemporain à Boston, ont acquis leur nom actuel en changeant de nom depuis des noms qui utilisaient "art moderne" durant cette période. Le modernisme est devenu défini comme un mouvement artistique historique et une grande partie de l’art "moderne" a cessé d’être "contemporain".

Par conséquent, en général, un artiste vivant ne peut pas qualifier ses œuvres d'art moderne, car cette période fait référence à des artistes déjà décédés.