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정의

추상 표현주의

추상미술

달필

개념미술

구체미술

구성주의

입체파

다큐멘터리

표현주의

환상예술

구상미술

일러스트레이션

인상주의

마술적 사실주의

미니멀리즘

팝아트

사실주의

초현실주의

시각 예술에서 장르는 작품의 주제가 묘사되거나 형성되는 방식을 설명하고 분류합니다.

그러나 "장르"라는 용어는 "매체"(재료)가 아닌 스타일에 대한 정의입니다.

예를 들면 페인팅뿐만 아니라 조각품도 장르의 관점에서 추상적, 비유적, 콘크리트 예술 등이 될 수 있습니다.

Note

일부 장르는 다른 장르와 겹치는 특성을 가지므로 작품을 한 가지 이상의 장르로 설명하는 것이 합리적입니다.

일부 장르는 서로 상충되는 성격을 가지기 때문에 이런 경우 작품 설명에 함께 사용되면 안됩니다.

하나의 작품에 사용된 여러가지 장르의 예는 다음과 같습니다.

추상주의와 추상적인 표현주의
사실주의와 구상미술

작품 분류에 함께 사용되면 안되는 서로 상충되는 장르의 예

추상과 구상
추상파와 입체파
추상적이고 개념적인
초현실주의와 사실주의
환상적인 구상미술

다른 장르와 함께 분류되지 않고 단독으로 쓰여지는 장르의 예

개념미술
구체미술
팝아트
미니멀리즘

추상미술은 모양, 형태, 색상 및 선의 시각적 언어를 사용합니다.

세계의 시각 기준에서 어느 정도 다른 독립적인 구성을 가질 수도 있습니다.

모양, 색상, 색조, 형태 및 제스처 표시가 활용되며, 시각적으로 보여지는 그대로를 표현하지는 않습니다.

추상미술, 비(非) 구상미술, 비(非) 객관적 미술, 비(非) 표현 미술은 어느 정도 서로 연관있는 용어입니다.

이들은 유사하지만 동일한 의미를 가지고 있지는 않습니다.
추상화는 예술에서 이미지를 묘사함에있어 현실을 벗어난 것을 나타냅니다.

정확한 표현에서 벗어남의 정도는 아주 미세할수도 있고 부분적이거나 혹은 완전 할 수 있습니다. 연속체를 따라 추상화가 존재합니다.

완벽한 표현이란 규정하기가 상당히 어려울 수 있기 때문에 , 외관상 가장 사실적으로 보이는 것을 목표로하는 예술조차 추상적이라고 할 수 있습니다.

Note
추상적인 작품이 구상미술로 분류 될 수 없습니다. 이 두가지의 장르는 서로 상반되는 의미이기 때문입니다.

서예는 글쓰기와 관련된 시각 예술입니다.

도구, 브러시 또는 기타 필기 도구를 사용하여 글자를 디자인하고 실행합니다.

현대 붓글씨 관행은 표현적이고 조화 롭고 숙련 된 방식으로 표지판에 형태를 부여하는 기술로 정의 할 수 있습니다.

현대 서예는 기능적 비문과 디자인에서 글자를 읽을 수 있거나 읽을 수없는 고급 예술 작품에 이르기까지 다양합니다. 고전 서예는 타이포그래피 및 비 고전적 핸드 레터와는 다르지만 서예가는 둘 다 연습 할 수 있습니다.

서예는 청첩장 및 행사 초대장, 서체 디자인 및 타이포그래피, 오리지널 핸드 레터 로고 디자인, 종교 예술, 공지 사항, 그래픽 디자인 및 위탁 서예, 컷 스톤 비문 및 기념 문서 형태로 계속 번성합니다.

또한 영화와 텔레비전의 소품과 동영상, 증언, 출생 및 사망 증명서,지도 및 기타 서면 작품에도 사용됩니다.

개념미술은 종종 설치물 또는 조각으로 조립된 실제 오브제를 사용합니다.

작품의 아이디어와 개념이 오브제 및 미학적 관심사보다 더 중요하게 여겨집니다. 개념 예술은 거의 모든 것을 사용할 수 있으며, 그 어느 것처럼 보여질 수도 있습니다.

페인트, 조각 재료 및 기법을 사용하여 아이디어를 표현할 수있는 최선의 방법에 대해 생각하는 화가나 조각가와는 달리 개념미술 작가는 어떠한 재료 및 형태로든 아이디어를 표현하고자 합니다. 이는 공연에서부터 글 묘사에 이르기까지 다양합니다.

개념미술 작가 사용하는 스타일이나 형식은 없지만 1960년대 후반부터 특정한 트렌드가 생겨나기 시작하였습니다.

Note
많은 예술가들이 창작을 시작하기 전에 마음 속에 "개념(concept)"을 가지고 있지만 작품을 "개념적(conceptual)"작품으로 만들지는 않습니다.

최종 작품 그 자체는 일종의 개념으로 인식되어야합니다. 가장 눈에 띄는 특징은 일반적으로 사용되지 않는 요소와 항목을 사용하여 작품을 만드는 것입니다.

구성주의(Constructivism)는 1913년 러시아의 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin)에 의해 시작된 예술 및 건축 철학입니다.

이것은 자율예술이라는 개념을 거부한 것으로, 그는 예술을 '건설'하기를 원했습니다.

이 운동은 사회적 목적을 위한 실천으로 예술을 지지하였습니다.

구성주의는 20세기 현대미술 운동에 큰 영향을 미쳤으며 바우하우스(Bauhaus)와 데스틸(De Stijl;신조형주의)과 같은 주요 트렌드에 영향을 미쳤습니다. 건축, 조각, 그래픽 디자인, 산업 디자인, 극장, 영화, 무용, 패션 및 음악에 지대한 영향을 미쳤습니다.

구상(Figurative, 具象)은 실제 세계, 특히 인간의 모습에 관한 예술을 묘사하는데 사용됩니다.

작품에서 실제 세계에 대한 언급을 한 예술가들에 대해 설명하기 위하여 추상미술의 인기가 높아진 후로 이 용어는 더욱 대중화되었습니다.

따라서 이는 분명 재현적(표현적)인 것입니다.

종종 "인물(figure)"이 묘사되었다는 이유로 작품을 구상적(figurative)인 것으로 잘못 분류하는 일이 발생하기도 합니다.

인물이 있다고 구상미술이라고 하지 않습니다. 작품은 피사체를 거의 사진의 정밀도로 나타내야 합니다.

이것은 모든 매체에 - 즉 그림이든 조각이든- 해당합니다.

Note
구상은 추상과 뚜렷한 대조를 이루기 때문에, 한 작품이 추상적이면서 구상미술로 분류 될 수 없습니다.

일러스트레이션은 포스터, 전단지, 잡지, 서적, 교재, 애니메이션, 비디오 게임 및 영화와 같은 출판 된 미디어에 통합 설계된 텍스트, 개념 또는 프로세스의 장식, 해석 또는 시각적 설명입니다.

예술로서의 일러스트레이션

오늘날 그래픽 소설 및 비디오 게임 산업의 성장과 잡지 및 기타 출판물의 일러스트레이션 사용 증가로 인해 일러스트레이션은 현재 글로벌 시장에 참여할 수있는 가치있는 예술 형태가 되었습니다.

팝아트는 종종 예술 운동으로 간주됩니다.

1950년대 중후반에 영국과 미국에서 등장했습니다.

이 운동은 광고, 만화책, 평범한 문화 관련 물건 등 대중 문화의 이미지를 포함시켜 전통적인 순수미술(Fine Art)에 대한 도전을 제시했습니다.

팝아트 운동의 목표 중 하나는 엘리트주의에 반하여 평범하고 키치한 요소를 강조하면서 사람들에게 인기있는 문화의 이미지를 사용하는 것인데, 특히 아이러니(반어법)를 통해 가장 많이 나타납니다.

또한 예술가들이 기계적인 재생산 혹은 렌더링 기술을 사용하는 것과 관련이 있습니다. 팝아트에서 재료는 때때로 기존의 맥락에서 시각적으로 제거 혹은 분리되기도 하고 전혀 무관한 재료와 결합되기도 합니다.

새로 발견한 오브제 및 이미지를 사용하는 점에서 Dada(다다이즘)와 유사합니다.

팝아트와 미니멀리즘은 포스트모더니즘 예술보다 선행하는 예술 운동으로 여겨지거나 혹은 포스트모더니즘 예술 자체의 가장 초기 예시 중 하나라고 할 수 있습니다.

팝아트는 현재 광고에 사용되고 있는 이미지를 자주 사용합니다.

제품 라벨과 로고는 팝아트 작가의 이미지에 중요한 자리를 차지하는데, 가장 대표적인 예로 앤디 워홀(Andy Warhol)의 캠벨 수프 캔(Campbell 's Soup Cans)의 라벨에서 볼 수 있습니다.

앤디 워홀의 캠벨 토마토 주스 캔 (1964)에 의해 입증 된 바와 같이 소매용 식품의 선적상자 표면에 부착된 라벨이 팝 아트의 주제로서 사용되어왔습니다.

정의

콜라주

디자인

디지털

드로잉

혼합미디어

멀티미디어

뉴 미디어

회화

조각

응용예술 디자인은 디자인과 장식을 일상적이고 본질적으로 실용적인 물체에 적용하여 미학적으로 기쁨을 선사하는 실용적인 오브제입니다.

이 용어는 순수예술과 구별하여 사용되는데, 실용적으로 사용하지 않는 대상을 만들고 어떠한 방식으로든 아름답거나 지성을 자극하고자 하는 유일한 목적을 갖습니다.

실제로 두 가지는 종종 겹칩니다. 응용예술은 장식예술과 대체로 겹치며, 현대의 응용예술 제작을 디자인이라고합니다. 그러나 응용예술에서 용어 디자인(design)은 페인팅 등과 같은 2차원에는 사용되지 않고 3차원 오브제에만 사용되어져야 합니다.

Note
응용예술에서가 아닌 일반적인 정의로 디자인은 오브제나 시스템 제작을 위한, 혹은 활동 및 과정의 구현을 위한 계획 또는 세부사항을 뜻합니다.

드로잉은 종이나 다른 2 차원 매체를 표시하기 위해 다양한 도구를 사용하여 표현됩니다. 흑연, 펜 및 잉크, 색연필, 크레용, 숯, 쵸크, 다양한 종류의 지우개, 마커 및 스타일러스 펜 등의 도구가 있습니다.

드로잉 도구는 표면에 소량으로 눈에 보이는 표시를 남깁니다. 드로잉을 위한 가장 일반적인 바탕 재료로는 종이가 있으나 판지, 목재, 플라스틱, 가죽, 캔버스 및 판자와 같은 다른 재료가 사용될 수 있습니다.

드로잉은 시각예술에서 가장 오래된 인간 표현 형태 중 하나입니다. 일반적으로 시각적 세계의 정확한 표현이 평면에 표현되는 종이 / 기타 재료에 선과 색조 영역을 표시하는 것과 관련이 있습니다. 전통적인 드로잉은 단색이거나 최소한의 색으로 표현을 했던 반면에 현대의 색연필 드로잉은 드로잉과 페인팅의 경계선에 접근하거나 경계를 넘을 수도 있습니다.

서구의 용어에서 드로잉(묘사)은 페인팅(회화)과는 별개이지만, 유사한 매체가 종종 두 작업에 모두 사용됩니다. 보통 분필과 같은 드로잉과 관련된 드라이한 매체가 파스텔 그림에 사용될 수 있습니다. 브러시 또는 펜으로 도포한 액체 매체를 사용하여 그림을 그릴 수 있습니다. 유사한 지지대도 마찬가지로 두 가지를 모두 제공 할 수 있습니다. 페인팅은 일반적으로 액체 물감을 준비된 캔버스 나 화판에 바르는 것과 관련된 것이지만 때로는 동일한 바탕화면에 밑그림(underdrawing)이 먼저 그려집니다.

혼합 미디어(Mixed media)는 다른 미디어 또는 재료의 조합으로 구성된 아트 워크를 설명합니다.

혼합 미디어와 멀티미디어 아트 워크의 차이점은 무엇입니까?

두 용어 모두 다양한 재료를 사용하여 만든 아트 워크를 설명하지만 멀티미디어는 일반적으로 비디오, 필름, 오디오 및 컴퓨터와 같은 전자 미디어의 조합을 사용하거나 포함하는 아트 워크를 정의하는 데 사용됩니다.

멀티미디어 아트는 광범위한 예술 형식을 통합하려는 혁신적인 원칙입니다.

이것은 영화, 문학, 공연, 음악 및 소리, 드라마, 시각 예술 또는 디자인과 같은 다양한 예술적 통찰과 공예를 결합하여 창의적으로 달성됩니다.

Note

혼합 미디어와 멀티미디어 아트 워크의 차이점은 무엇입니까?

두 용어 모두 다양한 재료를 사용하여 만든 아트 워크를 설명하지만 멀티미디어는 일반적으로 비디오, 필름, 오디오 및 컴퓨터와 같은 전자 미디어의 조합을 사용하거나 포함하는 아트 워크를 정의하는 데 사용됩니다.

페인팅은 페인트, 안료, 색상 또는 기타 매체를 단단한 표면 (지지대)에 적용하는 방법입니다.

매체는 브러시로베이스에 일반적으로 적용되지만 나이프, 스펀지 및 에어 브러시와 같은 다른 도구를 사용할 수 있습니다.

최종 작품을 "페인팅"이라고도합니다.

회화는 시각 예술에서 중요한 형태로, 회화, 제스처 (제스쳐 회화에서와 같이), 구성, 서술 (내러티브 미술에서와 같이) 또는 추상화 (추상 미술에서와 같은)를 가져옵니다.

그림은 자연스럽고 표현적 (정물화나 풍경화 에서처럼), 사진, 추상, 서술, 상징주의 (기호주의 예술에서와 같이), 감정 (표현주의에서와 같이) 또는 자연에서 정치적 (예술주의에서와 같이) 일 수 있습니다.

정의

현대미술

근대미술

시각 예술은 다음 순서와 같이 시대가 분류됩니다.

고대 고전 미술
중세 미술
르네상스
낭만주의
근대 미술
현대 미술

이러한 용어는 작품이 만들어진 스타일 (장르)을 구체적으로 묘사하지 않기 때문에 잘못 사용되어지는 경우가 종종 있습니다.

특정 기간에 특정 장르가 선호되기도 하였습니다. 그럼에도 불구하고 일반적으로 이러한 용어는 "어떻게"가 아닌 "언제"에 대한 정의입니다.

미술사 학자들은 작품이 만들어진 당시의 맥락에서 작품을 조사합니다. 그러나 미술사학자 혹은 박물관에 따라 이러한 시대 정의가 중첩되는 일이 자주 일어나기도 합니다. 하지만 역사가들은 종종 작가의 모티브와 중요한 메시지를 프로젝트 후원자와 스폰서의 바램과 편견을 고려하여, 또는 작가의 동료 및 선생의 주제와 접근법에 대한 비교분석을 통하여, 혹은 도상학(iconography) 및 상징주의(symbolism)를 고려하여 해석하기도 합니다.

즉 이러한 접근법은 예술 작품이 만들어진 시대의 맥락에서 예술 작품을 연구하는 것입니다.

그러나 오버래핑 되어지는 시대 정의에 관계없이 현대, 근대 등의 용어는 당초의 특정 시대를 나타냅니다.

작품이 현대미술로 분류 된 것은 작품이 현시대에 제작되었다는 것을 뜻합니다.

이러한 맥락에서 "현재"는 1946년부터 현재 사이에 제작된 예술을 정의합니다.

현존하는 아티스트가 만든 스타일, 기술 또는 장르에 관계없이 모든 작품은 현대적인 것입니다. 따라서 살아있는 예술가가 "근대(modern)" 예술작품을 만드는 것은 불가능합니다.

현대적인 것에 대한 정의는 자연스럽게 항상 움직이고 있으며, 작품이 처음으로 선보인 데뷔 날짜와 함께 현재 존재하고 있습니다. 1910년에 현대미술협회가 구입한 작품들은 더 이상 현대미술작품으로 묘사할 수 없습니다.

일생과 인생이 다른 단어임을 예시로 들며 한편에서는 현대미술을 "우리의 일생" 동안에 제작된 예술로 정의합니다. 그러나 이 일반정의에는 특수한 제한이 적용된다는 인식이 있습니다.

일반적인 형용사라기보다는 "현대예술"을 특수한 예술 유형으로 분류하는 것은 영어권의 모더니즘초기로 거슬러 올라갑니다. 런던에서 현대미술학회는 비평가 Roger Fry와 기타 여러 사람들에 의해 공공 박물관에 전시할 작품들을 구입하는 사단기관으로 1910년에 설립되었습니다. 1930년 호주의 애들레이드 현대 미술 협회처럼 1938년도에는 이 용어를 사용하는 많은 기관들이 설립되었으며 1945년 이후 그 수는더욱 증가하였습니다.

근대미술이 역사적 예술 운동으로 정의되고 또한 많은 "근대"미술이 "현대적"인 작품으로 보여지고자 중단되면서 보스턴 현대미술관 처럼 많은 기관들이 이시기에 "근대미술" 이름을 '현대미술'로 변경했습니다.

Note
현대미술이 추상주의, 현실주의, 팝아트 등과 같은 특정 장르를 정의하지 않습니다.

근대미술은 대략 아래의 기간을 포함한 시기에 제작된 예술작품을 포함합니다.

1860년에서 1945년 사이

이 용어는 대개 실험정신으로 과거의 전통을 다른 한켠으로 내다 버린 예술과 관련이 있습니다.

현대예술가들은 예술의 재료와 기능의 본질에 대한 새로운 시각과 신선한 아이디어를 실험했습니다.

전통 예술의 특징이었던 내러티브에서 추상화로 이탈하는 경향은 현대 예술의 특징입니다. 보다 최근의 예술 작품은 종종 현대 미술 또는 포스트 모던 미술이라고 불립니다.

근대 미술의 발전에 중요한 인물인 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh), 폴 세잔(Paul Cézanne), 폴 고갱(Paul Gauguin), 조르주 쇠라( Georges Seurat) 및 앙리 드 뚤루즈_로트렉(Henri de Toulouse-Lautrec)과 같은 화가들의 유산으로 근대미술은 시작되었습니다. 20 세기 초 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 원시입체주의파 조르쥬 브라케 (Georges Braque), 앙드레 드랭 (André Derain), 라울 듀피 (Raoul Dufy), 장 메징거 (Jean Metzinger), 모리스 드 블라맹크 (Maurice de Vlaminck)를 포함한 여러 젊은 예술가들은 파리의 미술계를 "야생적", 다양한 색감, 표현적인 풍경으로 혁명을 일으켰는데 비평가들이 이들을 야수파(Fauvism)라고 일컫었습니다. 마티스의 작품 '춤'(The Dance)의 두 가지 버전은 그의 경력과 근대 회화의 발전에서 중요한 포인트를 나타냈습니다. 그것은 원시미술에 매료된 마티스의 흥미를 반영하고 있습니다. 시원한 청록색 배경에 대한 인물의 강렬하고 따뜻한 색감과 춤추는 누드의 리듬미컬한 연속적인 춤동작은 정서적 해방과 관념의 감정을 전달합니다.

Note
근대미술이 역사적 예술 운동으로 정의되고 또한 많은 "근대"미술이 "현대적"인 작품으로 보여지고자 중단되면서 보스턴 현대미술관 처럼 많은 기관들이 이시기에 "근대미술" 이름을 '현대미술'로 변경했습니다.

살아있는 예술가는 그의 작품을 근대미술로 분류하지 않을것입니다. 근대미술가라면 이미 타계한 아티스트를 뜻하는 것일테니 말이죠.

장르

매체

시대

정의

추상 표현주의

추상미술

개념미술

구체미술

입체파

다큐멘터리

표현주의

환상예술

구상미술

일러스트레이션

인상주의

마술적 사실주의

미니멀리즘

팝아트

사실주의

초현실주의

Note

추상주의와 추상적인 표현주의
사실주의와 구상미술

작품 분류에 함께 사용되면 안되는 서로 상충되는 장르의 예

추상과 구상
추상파와 입체파
추상적이고 개념적인
초현실주의와 사실주의
환상적인 구상미술

다른 장르와 함께 분류되지 않고 단독으로 쓰여지는 장르의 예

개념미술
구체미술
팝아트
미니멀리즘

정확한 표현에서 벗어남의 정도는 아주 미세할수도 있고 부분적이거나 혹은 완전 할 수 있습니다. 연속체를 따라 추상화가 존재합니다.

완벽한 표현이란 규정하기가 상당히 어려울 수 있기 때문에 , 외관상 가장 사실적으로 보이는 것을 목표로하는 예술조차 추상적이라고 할 수 있습니다.

Note
추상적인 작품이 구상미술로 분류 될 수 없습니다. 이 두가지의 장르는 서로 상반되는 의미이기 때문입니다.

작품에서 실제 세계에 대한 언급을 한 예술가들에 대해 설명하기 위하여 추상미술의 인기가 높아진 후로 이 용어는 더욱 대중화되었습니다.

따라서 이는 분명 재현적(표현적)인 것입니다.

종종 "인물(figure)"이 묘사되었다는 이유로 작품을 구상적(figurative)인 것으로 잘못 분류하는 일이 발생하기도 합니다.

인물이 있다고 구상미술이라고 하지 않습니다.

작품은 피사체를 거의 사진의 정밀도로 나타내야 합니다.

이것은 모든 매체에 - 즉 그림이든 조각이든- 해당합니다.

이 운동은 광고, 만화책, 평범한 문화 관련 물건 등 대중 문화의 이미지를 포함시켜 전통적인 순수미술(Fine Art)에 대한 도전을 제시했습니다.

팝아트 운동의 목표 중 하나는 엘리트주의에 반하여 평범하고 키치한 요소를 강조하면서 사람들에게 인기있는 문화의 이미지를 사용하는 것인데, 특히 아이러니(반어법)를 통해 가장 많이 나타납니다.

또한 예술가들이 기계적인 재생산 혹은 렌더링 기술을 사용하는 것과 관련이 있습니다. 팝아트에서 재료는 때때로 기존의 맥락에서 시각적으로 제거 혹은 분리되기도 하고 전혀 무관한 재료와 결합되기도 합니다.

새로 발견한 오브제 및 이미지를 사용하는 점에서 Dada(다다이즘)와 유사합니다.

팝아트와 미니멀리즘은 포스트모더니즘 예술보다 선행하는 예술 운동으로 여겨지거나 혹은 포스트모더니즘 예술 자체의 가장 초기 예시 중 하나라고 할 수 있습니다.

팝아트는 현재 광고에 사용되고 있는 이미지를 자주 사용합니다.

제품 라벨과 로고는 팝아트 작가의 이미지에 중요한 자리를 차지하는데, 가장 대표적인 예로 앤디 워홀(Andy Warhol)의 캠벨 수프 캔(Campbell 's Soup Cans)의 라벨에서 볼 수 있습니다.

앤디 워홀의 캠벨 토마토 주스 캔 (1964)에 의해 입증 된 바와 같이 소매용 식품의 선적상자 표면에 부착된 라벨이 팝 아트의 주제로서 사용되어왔습니다.

정의

콜라주

디지털

혼합미디어

멀티미디어

뉴 미디어

페인팅

조각

정의

현대미술

근대미술

시각 예술은 다음 순서와 같이 시대가 분류됩니다.

고대 고전 미술
중세 미술
르네상스
낭만주의
근대 미술
현대 미술

이러한 용어는 작품이 만들어진 스타일 (장르)을 구체적으로 묘사하지 않기 때문에 잘못 사용되어지는 경우가 종종 있습니다.

특정 기간에 특정 장르가 선호되기도 하였습니다. 그럼에도 불구하고 일반적으로 이러한 용어는 "어떻게"가 아닌 "언제"에 대한 정의입니다.

미술사 학자들은 작품이 만들어진 당시의 맥락에서 작품을 조사합니다.

그러나 미술사학자 혹은 박물관에 따라 이러한 시대 정의가 중첩되는 일이 자주 일어나기도 합니다.

하지만 역사가들은 종종 작가의 모티브와 중요한 메시지를 프로젝트 후원자와 스폰서의 바램과 편견을 고려하여, 또는 작가의 동료 및 선생의 주제와 접근법에 대한 비교분석을 통하여, 혹은 도상학(iconography) 및 상징주의(symbolism)를 고려하여 해석하기도 합니다.

즉 이러한 접근법은 예술 작품이 만들어진 시대의 맥락에서 예술 작품을 연구하는 것입니다.

그러나 오버래핑 되어지는 시대 정의에 관계없이 현대, 근대 등의 용어는 당초의 특정 시대를 나타냅니다.

현대적인 것에 대한 정의는 자연스럽게 항상 움직이고 있으며, 작품이 처음으로 선보인 데뷔 날짜와 함께 현재 존재하고 있습니다. 1910년에 현대미술협회가 구입한 작품들은 더 이상 현대미술작품으로 묘사할 수 없습니다.

일생과 인생이 다른 단어임을 예시로 들며 한편에서는 현대미술을 "우리의 일생" 동안에 제작된 예술로 정의합니다. 그러나 이 일반정의에는 특수한 제한이 적용된다는 인식이 있습니다.

일반적인 형용사라기보다는 "현대예술"을 특수한 예술 유형으로 분류하는 것은 영어권의 모더니즘초기로 거슬러 올라갑니다. 런던에서 현대미술학회는 비평가 Roger Fry와 기타 여러 사람들에 의해 공공 박물관에 전시할 작품들을 구입하는 사단기관으로 1910년에 설립되었습니다. 1930년 호주의 애들레이드 현대 미술 협회처럼 1938년도에는 이 용어를 사용하는 많은 기관들이 설립되었으며 1945년 이후 그 수는더욱 증가하였습니다.

근대미술이 역사적 예술 운동으로 정의되고 또한 많은 "근대"미술이 "현대적"인 작품으로 보여지고자 중단되면서 보스턴 현대미술관 처럼 많은 기관들이 이시기에 "근대미술" 이름을 '현대미술'로 변경했습니다.

Note
현대미술이 추상주의, 현실주의, 팝아트 등과 같은 특정 장르를 정의하지 않습니다.

전통 예술의 특징이었던 내러티브에서 추상화로 이탈하는 경향은 현대 예술의 특징입니다. 보다 최근의 예술 작품은 종종 현대 미술 또는 포스트 모던 미술이라고 불립니다.

현대 미술은 Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat 및 Henri de Toulouse-Lautrec와 같은 화가의 유산으로 시작되어 현대 미술의 발전에 필수적이었습니다.

20 세기 초 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 프리 큐비 스트 조르쥬 브라 케 (Georges Braque), 안드레 드레인 (André Derain), 라울 듀피 (Raoul Dufy), 장 멧 징거 (Jean Metzinger), 모리스 드 블라 밍크 (Maurice de Vlaminck)를 포함한 여러 젊은 예술가들은 파리의 세계를 "야생", 다색, 표현적인 풍경으로 혁명을 일으켰습니다. 비평가들이 포우 비즘이라고 부르는 그림들.

Matisse의 두 가지 댄스 버전은 그의 경력과 현대 회화의 발전에서 중요한 포인트를 나타 냈습니다. 그것은 시원한 예술에 대한 Matisse의 초기 매력을 반영했습니다 : 시원한 청록색 배경에 대한 인물의 강렬하고 따뜻한 색감과 춤추는 누드의 리듬 연속은 정서적 해방과 관념의 감정을 전달합니다.