Gatunki | ARTMO | Sieć sztuki | Łącząc świat sztuki

RODZAJ

MEDIA

OKRES CZASU

DEFINICJA

Ekspresjonizm abstrakcyjny

Abstrakcja

Kaligrafia

Sztuka konceptualna

Konkret

Konstruktywizm

Kubizm

Dokument

Ekspresjonizm

Fantastyka

Symbolizm

Ilustracja

Impresjonizm

Realizm magiczny

Minimalizm

Sztuka naiwna

Pop-art

Realizm

Surrealizm

W sztukach wizualnych gatunki opisują i kategoryzują styl przedstawiania lub kształtowania przedmiotu dzieła.

Jednak termin „gatunek” jest definicją stylu, a nie „medium” (materiały).

Dlatego na przykład nawet średnie rzeźby, a nie tylko obrazy, mogą być abstrakcyjne, symboliczne, konkretne itd. pod względem gatunku.

Uwagi

Ponieważ niektóre gatunki mają charakter pokrywający się z innymi gatunkami, uzasadnione jest opisanie jednego dzieła z więcej niż jednym gatunkiem.

Jednak niektóre gatunki nie powinny być wybierane razem z jedną grafiką, ponieważ byłyby ze sobą sprzeczne.

Niektóre przykłady wielu gatunków wybranych dla jednej grafiki mogą być ...

Abstrakcja i ekspresjonizm abstrakcyjny
Realizm i symbolizm

Kilka przykładów gatunków, których nie należy wybierać do kategoryzacji jednego dzieła, ponieważ byłoby to sprzeczne ...

Abstrakcja i symbolizm
Abstrakcja i kubizm
Abstrakcja i konceptualny
Surrealizm i realizm
Fantastyka i symbolizm

Kilka przykładów samodzielnych gatunków, które nie powinny być skategoryzowane razem z innym gatunkiem ...

Sztuka konceptualna
Konkret
Pop-art
Minimalizm

Sztuka abstrakcyjna używa wizualnego języka kształtu, formy, koloru i linii.

Kompozycja, która może istnieć w pewnym stopniu niezależności od odniesień wizualnych na świecie.

Wykorzystywane są kształty, kolory, odcienie, formy i znaki gestów, unikając dosłownego przedstawiania widzialnego świata.

Sztuka abstrakcyjna, sztuka niefiguratywna, sztuka nieobiektywna i sztuka niereprezentatywna są terminami luźno powiązanymi.

Są podobne, ale być może nie mają identycznego znaczenia.
Abstrakcja wskazuje na odejście od rzeczywistości w obrazowaniu w sztuce.

To odstępstwo od dokładnego przedstawienia może być nieznaczne, częściowe lub całkowite. Abstrakcja istnieje wzdłuż kontinuum.

Nawet sztukę, której celem jest najwyższy stopień wiarygodności, można powiedzieć, że jest abstrakcyjna, przynajmniej teoretycznie, ponieważ idealna reprezentacja może być wyjątkowo nieuchwytna.

Uwagi
Dzieła abstrakcyjnego nie można również zakwalifikować jako figuratywne, ponieważ byłoby to sprzeczne.

Kaligrafia to sztuka wizualna związana z pisaniem.

Jest to projekt i wykonanie napisu za pomocą instrumentu z szeroką końcówką, pędzla lub innego przyrządu do pisania.

Współczesną praktykę kaligraficzną można zdefiniować jako sztukę nadawania formy znakom w sposób ekspresyjny, harmonijny i umiejętny.

Współczesna kaligrafia sięga od funkcjonalnych napisów i wzorów po dzieła sztuki, w których litery mogą, ale nie muszą być czytelne. Klasyczna kaligrafia różni się od typografii i nieklasycznych odręcznych liter, chociaż kaligraf może ćwiczyć jedno i drugie.

Kaligrafia nadal kwitnie w postaci zaproszeń ślubnych i zaproszeń na wydarzenia, projektowania czcionek i typografii, oryginalnego ręcznie drukowanego logo, sztuki religijnej, ogłoszeń, grafiki i zleconej sztuki kaligraficznej, napisów z kamienia ciętego i dokumentów pamiątkowych.

Jest również używany do rekwizytów i ruchomych obrazów do filmu i telewizji, a także do świadectw, aktów urodzenia i zgonów, map i innych prac pisemnych.

Sztuka konceptualna często wykorzystuje rzeczywiste przedmioty złożone w instalację lub rzeźbę.

Gdzie pomysł i koncepcja pracy ma większe znaczenie niż przedmiot i względy estetyczne. Sztuka konceptualna może być - i może wyglądać - jak prawie wszystko.

Dzieje się tak dlatego, że w przeciwieństwie do malarza lub rzeźbiarza, który pomyśli o tym, jak najlepiej wyrazić swój pomysł za pomocą farby lub materiałów i technik rzeźbiarskich, artysta konceptualny używa dowolnych materiałów i form, które są najbardziej odpowiednie dla realizacji ich pomysłu - może to być wszystko od przedstawienia do pisemnego opisu.

Chociaż nie ma jednego stylu ani formy używanej przez artystów konceptualnych, z późnych 1960 pojawiły się pewne trendy.

Uwagi
Chociaż wielu artystów ma na myśli „koncepcję”, zanim zaczną tworzyć, nie czyni to jednak dzieła „koncepcyjnym”.

Ostateczne dzieło sztuki należy uznać za pewnego rodzaju koncepcję. Najbardziej oczywistą cechą jest użycie elementów i przedmiotów, które zwykle nie są wykorzystywane do tworzenia dzieła sztuki.

Konstruktywizm był filozofią artystyczną i architektoniczną zapoczątkowaną w Rosji od 1913 roku przez Vladimira Tatlina.

Było to odrzucenie idei sztuki autonomicznej. Chciał „budować” sztukę.

Ruch był na korzyść sztuki jako praktyki do celów społecznych.

Konstruktywizm wywarł wielki wpływ na ruchy sztuki współczesnej XX wieku, wpływając na główne trendy, takie jak ruchy Bauhaus i De Stijl. Jego wpływ był szeroko rozpowszechniony, wywierając znaczący wpływ na architekturę, rzeźbę, projektowanie graficzne, wzornictwo przemysłowe, teatr, film, taniec, modę i do pewnego stopnia, muzykę.

Symbolizm jest używany do opisania sztuki, która zachowuje silne odniesienie do świata rzeczywistego, a zwłaszcza postaci ludzkiej.

Termin stał się bardziej popularny po wzroście popularności sztuki abstrakcyjnej, aby opisać artystów, którzy w swoich pracach zachowali odniesienia do realnego świata.

Dlatego jest to z definicji reprezentatywne.

Często błędnie klasyfikuje dzieła jako figuratywne tylko dlatego, że przedstawiona jest „figura”.

Samo to nie czyni z niego grafiki. Grafika powinna przedstawiać temat z niemal fotograficzną precyzją.

Dotyczy to każdego medium, tzn. Czy jest to obraz czy rzeźba.

Uwagi
Ponieważ symbolizm stanowi wyraźny kontrast z abstrakcją, dzieła sztuki nie można również zaklasyfikować jako abstrakcyjne i symboliczne, ponieważ byłoby to sprzeczne.

Ilustracja to dekoracja, interpretacja lub wizualne objaśnienie tekstu, koncepcji lub procesu, zaprojektowana do integracji z opublikowanymi mediami, takimi jak plakaty, ulotki, czasopisma, książki, materiały dydaktyczne, animacje, gry wideo i filmy.

Ilustracja jako sztuka:

Jednak dzisiaj, częściowo ze względu na rozwój branży powieści graficznych i gier wideo, a także zwiększone wykorzystanie ilustracji w czasopismach i innych publikacjach, ilustracja staje się obecnie cenioną formą sztuki, zdolną do wejścia na rynek globalny.

Sztuka naiwna niekoniecznie wywodzi się z odrębnego kontekstu lub tradycji kulturowej.

Artyści naiwni są świadomi konwencji, takich jak perspektywa graficzna i konwencje kompozycyjne, ale nie potrafią ich w pełni wykorzystać lub nie chcą.

Sztuka naiwna jest rozpoznawana i często naśladowana ze względu na dziecięcą prostotę i szczerość. Obrazy tego rodzaju mają zazwyczaj płaski styl renderowania z podstawowym wyrażeniem perspektywy. Jednym ze szczególnie wpływowych malarzy „sztuki naiwnej” był Henri Rousseau (1844–1910), francuski postimpresjonista, którego odkrył Pablo Picasso.

Pop-art jest często postrzegany jako ruch artystyczny.

Pojawiły się w Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych w połowie 1950.

Ruch stanowił wyzwanie dla tradycji sztuk pięknych, obejmując obrazy z kultury popularnej i masowej, takie jak reklama, komiksy i przyziemne przedmioty kultury.

Jednym z jej celów jest wykorzystanie w sztuce obrazów kultury popularnej (w przeciwieństwie do elitarnej), podkreślając banalne lub kiczowate elementy każdej kultury, najczęściej poprzez ironię.

Wiąże się to również z wykorzystaniem przez artystów mechanicznych technik reprodukcji lub renderowania. W pop-art materiał jest czasem wizualnie usuwany ze znanego kontekstu, izolowany lub łączony z niepowiązanym materiałem.

Ze względu na wykorzystanie znalezionych obiektów i obrazów jest podobny do dadaizmu.

Pop-art i minimalizm są uważane za ruchy sztuki poprzedzające sztukę postmodernistyczną lub są jednymi z najwcześniejszych przykładów samej sztuki postmodernistycznej.

Pop-art często wykonuje zdjęcia, które są obecnie używane w reklamie.

Etykiety i logo produktów są wyraźnie widoczne na zdjęciach wybranych przez artystów pop-artu, widocznych na etykietach Soup Cans Campbella autorstwa Andy'ego Warhola.

Nawet etykietowanie na zewnątrz opakowania wysyłkowego zawierającego artykuły spożywcze do sprzedaży detalicznej zostało wykorzystane jako przedmiot pop-artu, jak wykazano w pudełku z sokami pomidorowymi Warhol's Campbell's, 1964.

DEFINICJA

Kolaż

Designerski.

Sztuka cyfrowa

Rysunek

Sztuka mieszana

Multimedia

Nowe media

Malarstwo

Rzeźba

Projektowanie w sztuce użytkowej to wszystkie sztuki, które stosują projektowanie i dekorację do przedmiotów codziennego użytku i zasadniczo praktycznych, aby uczynić je estetycznymi.

Termin ten jest używany w odróżnieniu od sztuk pięknych, które wytwarzają przedmioty bez praktycznego zastosowania, których jedynym celem jest bycie pięknym lub stymulowanie intelektu w jakiś sposób.

W praktyce oba często się pokrywają. Sztuka użytkowa w dużej mierze pokrywa się ze sztuką dekoracyjną, a współczesne tworzenie sztuki stosowanej nazywa się zwykle projektowaniem. Jednak w sztuce użytkowej termin projekt powinien być używany tylko do obiektów 3D, a nie do 2D (obrazy itp.).

Uwagi
Projektowanie zgodnie ze wspólną definicją (nie w sztuce użytkowej) to plan lub specyfikacja budowy obiektu, systemu, realizacji działania lub procesu.

Rysunki są tworzone przy użyciu różnych instrumentów do znakowania papieru lub innego dwuwymiarowego medium. Instrumenty obejmują ołówki grafitowe, długopis i atrament, kolorowe ołówki, kredki, węgiel drzewny, kredę, różnego rodzaju gumki, markery i rysiki.

Przyrząd do rysowania uwalnia niewielką ilość materiału na powierzchnię, pozostawiając widoczny ślad. Najczęstszym wsparciem przy rysowaniu jest papier, chociaż można użyć innych materiałów, takich jak karton, drewno, plastik, skóra, płótno i tektura.

Rysowanie jest jedną z najstarszych form ludzkiej ekspresji w sztukach wizualnych. Ogólnie dotyczy znakowania linii i obszarów tonów na papierze / innym materiale, gdzie dokładne odwzorowanie świata wizualnego jest wyrażone na płaskiej powierzchni. Tradycyjne rysunki były monochromatyczne lub przynajmniej miały mało kolorów, podczas gdy nowoczesne rysunki z kolorowymi ołówkami mogą zbliżać się lub przekraczać granicę między rysunkiem a malarstwem.

W terminologii zachodniej rysowanie różni się od malowania, chociaż podobne media często są wykorzystywane w obu zadaniach. Suche media, zwykle związane z rysowaniem, takie jak kreda, mogą być stosowane w obrazach pastelowych. Rysowanie może odbywać się za pomocą płynnego medium, nakładanego za pomocą pędzli lub pisaków. Podobne nośniki również mogą służyć obu: malowanie zasadniczo obejmuje nakładanie płynnej farby na przygotowane płótno lub panele, ale czasami na tym samym nośniku najpierw rysuje się podkład.

Sztuka multimedialna to innowacyjna dyscyplina, której celem jest ujednolicenie szerokiej gamy form sztuki.

Jest to twórczo osiągnięte poprzez połączenie szeregu spostrzeżeń artystycznych i rzemiosła, takich jak film, literatura, performance, muzyka i dźwięk, dramat, sztuki wizualne lub projektowanie.

Uwagi

Jaka jest różnica między mediami mieszanymi a dziełami multimedialnymi?

Podczas gdy oba terminy opisują dzieła wykonane przy użyciu szeregu materiałów, na ogół stosuje się multimedia, aby zdefiniować dzieła, które wykorzystują lub zawierają kombinację mediów elektronicznych, takich jak wideo, film, audio i komputery.

Malowanie to praktyka nakładania farby, pigmentu, koloru lub innego medium na twardą powierzchnię (podstawę nośną).

Medium jest powszechnie nakładane na podstawę za pomocą pędzla, ale można używać innych narzędzi, takich jak noże, gąbki i aerografy.

Ostateczne dzieło nazywa się obrazem.

Malarstwo jest ważną formą w sztukach wizualnych, wnosząc takie elementy, jak rysunek, gest (jak w malarstwie gestowym), kompozycja, narracja (jak w sztuce narracyjnej) lub abstrakcja (jak w sztuce abstrakcyjnej).

Obrazy mogą być naturalistyczne i reprezentacyjne (jak w martwej naturze lub malarstwie pejzażowym), fotograficzne, abstrakcyjne, narracyjne, symboliczne (jak w sztuce symbolistycznej), emocjonalne (jak w ekspresjonizmie) lub natury politycznej (jak w artyzmie).

DEFINICJA

Współczesna

Nowoczesna

Sztuki wizualne są podzielone na przedziały czasowe w następującej kolejności:

Sztuka współczesna [1946 do dziś]
Sztuka współczesna [1860–1945]
Romantyzm [przełom XVIII i XIX wieku]
Renesans [XIV, XV, XVI wiek do XVIII]
Sztuka średniowieczna [szeroki zakres czasu, ponad 1000 lat]
Starożytna sztuka klasyczna

Terminy te są często niewłaściwie stosowane, ponieważ nie opisują w szczególności stylu (gatunku) tworzonego dzieła sztuki.

Chociaż w niektórych przedziałach czasowych niektóre gatunki były ulubionym stylem. Niemniej jednak ogólnie te terminy są definicją „kiedy”, a nie „jak”.

Krótko mówiąc, to podejście bada dzieło sztuki w kontekście świata, w którym zostało stworzone.

Jednak niezależnie od nakładających się definicji, pojęcia współczesna, nowoczesna itd. opisują na początku określony okres.

Sklasyfikowane jako współczesne jest wskazówką, że sztuka powstała w teraźniejszości.

„Obecny” w tym kontekście definiuje sztukę wyprodukowaną z 1946 do dnia dzisiejszego.

Każde dzieło, bez względu na styl, technikę lub gatunek stworzony przez żywych artystów, jest domyślnie współczesne. Dlatego dosłownie niemożliwe jest, aby żywy artysta stworzył dzieło „nowoczesne”.

Definicja tego, co współczesne, jest oczywiście zawsze w ruchu, zakotwiczona w teraźniejszości z datą początkową, która idzie do przodu, a dzieł, które Towarzystwo Sztuki Współczesnej zakupione w 1910 nie można już opisać jako współczesne.

Niektórzy definiują sztukę współczesną jako sztukę wyprodukowaną w ciągu „naszego życia”, uznając, że czasy życia i długość życia są różne. Jednakże uznaje się, że ta ogólna definicja podlega specjalnym ograniczeniom.

Klasyfikacja „sztuki współczesnej” jako szczególnego rodzaju sztuki, a nie ogólnej frazy przymiotnikowej, sięga początków modernizmu w świecie anglojęzycznym. W Londynie Towarzystwo Sztuki Współczesnej zostało założone w 1910 przez krytyka Rogera Fry'ego i innych, jako prywatne społeczeństwo do kupowania dzieł sztuki w publicznych muzeach. Wiele innych instytucji używających tego terminu zostało założonych w 1930, takich jak 1938, Contemporary Art Society z Adelaide, Australia, a liczba ta rośnie po 1945.

Wielu, podobnie jak Instytut Sztuki Współczesnej, Boston zmieniło swoje nazwy od tych, którzy używali w tym okresie „sztuki nowoczesnej”, ponieważ modernizm został zdefiniowany jako ruch sztuki historycznej, a wiele „nowoczesnych” sztuk przestało być „współczesnymi”.

Uwagi
Współczesny nie definiuje żadnego konkretnego gatunku, takiego jak abstrakcja, realizm, pop-art itp.

Sztuka nowoczesna obejmuje dzieła artystyczne powstałe w przybliżeniu z okresu

1860 do 1945.

Termin ten zwykle kojarzy się ze sztuką, w której tradycje przeszłości zostały odrzucone w duchu eksperymentów.

Współcześni artyści eksperymentowali z nowymi sposobami widzenia i świeżymi pomysłami na temat natury materiałów i funkcji sztuki.

Skłonność do narracji charakterystycznej dla sztuki tradycyjnej w kierunku abstrakcji jest charakterystyczna dla wielu współczesnych dzieł sztuki. Nowsza produkcja artystyczna jest często nazywana sztuką współczesną lub sztuką postmodernistyczną.

Sztuka nowoczesna zaczyna się od dziedzictwa malarzy takich jak Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat i Henri de Toulouse-Lautrec, z których wszyscy byli niezbędni do rozwoju sztuki nowoczesnej. Na początku 20 wieku Henri Matisse i kilku innych młodych artystów, w tym pre-kubiści Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger i Maurice de Vlaminck zrewolucjonizowali paryski świat sztuki dzięki „dzikim”, wielobarwnym, ekspresyjnym krajobrazom i malowaniu figur, które krytycy nazywali fowizmem. Dwie wersje Tańca Matissego stanowiły kluczowy punkt w jego karierze i rozwoju nowoczesnego malarstwa. Odzwierciedlał początkową fascynację Matisse prymitywną sztuką: intensywny ciepły kolor postaci na chłodnym niebiesko-zielonym tle i rytmiczna kolejność tańczących aktów przekazuje uczucie wyzwolenia emocjonalnego i hedonizmu.

Uwagi
Wielu, podobnie jak Instytut Sztuki Współczesnej, Boston zmieniło swoje nazwy od tych, którzy używali w tym okresie „sztuki nowoczesnej”, ponieważ modernizm został zdefiniowany jako ruch sztuki historycznej, a wiele „nowoczesnych” sztuk przestało być „współczesnymi”.

Dlatego zazwyczaj żywy artysta nie może zaklasyfikować swoich dzieł jako Nowoczesne, ponieważ ten okres odnosi się do artystów, którzy już odeszli.

RODZAJ

MEDIA

OKRES CZASU

DEFINICJA

Ekspresjonizm abstrakcyjny

Abstrakcja

Sztuka konceptualna

Konkret

Kubizm

Dokument

Ekspresjonizm

Fantastyka

Symbolizm

Ilustracja

Impresjonizm

Realizm magiczny

Minimalizm

Pop-art

Realizm

Surrealizm

Uwagi

Abstrakcja i ekspresjonizm abstrakcyjny
Realizm i symbolizm

Kilka przykładów gatunków, których nie należy wybierać do kategoryzacji jednego dzieła, ponieważ byłoby to sprzeczne ...

Abstrakcja i symbolizm
Abstrakcja i kubizm
Abstrakcja i konceptualny
Surrealizm i realizm
Fantastyka i symbolizm

Kilka przykładów samodzielnych gatunków, które nie powinny być skategoryzowane razem z innym gatunkiem ...

Sztuka konceptualna
Konkret
Pop-art
Minimalizm

Dzieje się tak dlatego, że w przeciwieństwie do malarza lub rzeźbiarza, który pomyśli o tym, jak najlepiej wyrazić swój pomysł za pomocą farby lub materiałów i technik rzeźbiarskich, artysta konceptualny używa dowolnych materiałów i form, które są najbardziej odpowiednie dla realizacji ich pomysłu - może to być wszystko od przedstawienia do pisemnego opisu.

Chociaż nie ma jednego stylu ani formy używanej przez artystów konceptualnych, z późnych 1960 pojawiły się pewne trendy.

Ruch stanowił wyzwanie dla tradycji sztuk pięknych, obejmując obrazy z kultury popularnej i masowej, takie jak reklama, komiksy i przyziemne przedmioty kultury.

Jednym z jej celów jest wykorzystanie w sztuce obrazów kultury popularnej (w przeciwieństwie do elitarnej), podkreślając banalne lub kiczowate elementy każdej kultury, najczęściej poprzez ironię.

Wiąże się to również z wykorzystaniem przez artystów mechanicznych technik reprodukcji lub renderowania. W pop-art materiał jest czasem wizualnie usuwany ze znanego kontekstu, izolowany lub łączony z niepowiązanym materiałem.

Ze względu na wykorzystanie znalezionych obiektów i obrazów jest podobny do dadaizmu.

Pop-art i minimalizm są uważane za ruchy sztuki poprzedzające sztukę postmodernistyczną lub są jednymi z najwcześniejszych przykładów samej sztuki postmodernistycznej.

Pop-art często wykonuje zdjęcia, które są obecnie używane w reklamie.

Etykiety i logo produktów są wyraźnie widoczne na zdjęciach wybranych przez artystów pop-artu, widocznych na etykietach Soup Cans Campbella autorstwa Andy'ego Warhola.

Nawet etykietowanie na zewnątrz opakowania wysyłkowego zawierającego artykuły spożywcze do sprzedaży detalicznej zostało wykorzystane jako przedmiot pop-artu, jak wykazano w pudełku z sokami pomidorowymi Warhol's Campbell's, 1964.

DEFINICJA

Kolaż

Sztuka cyfrowa

Sztuka mieszana

Multimedia

Nowe media

Obrazy

Rzeźba

DEFINICJA

Współczesna

Nowoczesna

Sztuki wizualne są podzielone na przedziały czasowe w następującej kolejności:

Sztuka współczesna
1946 do dziś
Sztuka nowoczesna
1860 do 1945
Romantyzm
przełom XVIII i XIX wieku
Renesans
XIV, XV, XVI wiek do XVIII
Sztuka średniowieczna
Szeroki zakres czasu, ponad 1000 lat
Starożytna sztuka klasyczna

Terminy te są często niewłaściwie stosowane, ponieważ nie opisują w szczególności stylu (gatunku) tworzonego dzieła sztuki.

Chociaż w niektórych przedziałach czasowych niektóre gatunki były ulubionym stylem. Niemniej jednak ogólnie te terminy są definicją „kiedy”, a nie „jak”.

Historycy sztuki badają pracę w kontekście swoich czasów.

Często jednak widać, że definicje okresu nakładają się, w zależności od znalezienia ich opisu przez historyka sztuki lub muzeum.

Chociaż historycy często biorą pod uwagę motywacje i imperatywy twórcy; z uwzględnieniem pragnień i uprzedzeń patronów i sponsorów; z porównawczą analizą tematów i podejść współpracowników i nauczycieli twórcy; z uwzględnieniem ikonografii i symboliki.

Krótko mówiąc, to podejście bada dzieło sztuki w kontekście świata, w którym zostało stworzone.

Jednak niezależnie od nakładających się definicji, pojęcia współczesna, nowoczesna itd. opisują na początku określony okres.

Definicja tego, co współczesne, jest oczywiście zawsze w ruchu, zakotwiczona w teraźniejszości z datą początkową, która idzie do przodu, a dzieł, które Towarzystwo Sztuki Współczesnej zakupione w 1910 nie można już opisać jako współczesne.

Niektórzy definiują sztukę współczesną jako sztukę wyprodukowaną w ciągu „naszego życia”, uznając, że czasy życia i długość życia są różne. Jednakże uznaje się, że ta ogólna definicja podlega specjalnym ograniczeniom.

Klasyfikacja „sztuki współczesnej” jako szczególnego rodzaju sztuki, a nie ogólnej frazy przymiotnikowej, sięga początków modernizmu w świecie anglojęzycznym. W Londynie Towarzystwo Sztuki Współczesnej zostało założone w 1910 przez krytyka Rogera Fry'ego i innych, jako prywatne społeczeństwo do kupowania dzieł sztuki w publicznych muzeach. Wiele innych instytucji używających tego terminu zostało założonych w 1930, takich jak 1938, Contemporary Art Society z Adelaide, Australia, a liczba ta rośnie po 1945.

Wielu, podobnie jak Instytut Sztuki Współczesnej, Boston zmieniło swoje nazwy od tych, którzy używali w tym okresie „sztuki nowoczesnej”, ponieważ modernizm został zdefiniowany jako ruch sztuki historycznej, a wiele „nowoczesnych” sztuk przestało być „współczesnymi”.

Uwagi
Współczesny nie definiuje żadnego konkretnego gatunku, takiego jak abstrakcja, realizm, pop-art itp.

Skłonność do narracji charakterystycznej dla sztuki tradycyjnej w kierunku abstrakcji jest charakterystyczna dla wielu współczesnych dzieł sztuki. Nowsza produkcja artystyczna jest często nazywana sztuką współczesną lub sztuką postmodernistyczną.

Sztuka współczesna zaczyna się od dziedzictwa malarzy takich jak Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat i Henri de Toulouse-Lautrec, z których wszyscy byli niezbędni do rozwoju sztuki współczesnej.

Na początku 20 wieku Henri Matisse i kilku innych młodych artystów, w tym pre-kubiści Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger i Maurice de Vlaminck zrewolucjonizowali paryski świat sztuki dzięki „dzikim”, wielobarwnym, ekspresyjnym krajobrazom i malować figury, które krytycy nazywali Fauvism.

Dwie wersje Tańca Matissego stanowiły kluczowy punkt w jego karierze i rozwoju nowoczesnego malarstwa. Odzwierciedlał początkową fascynację Matisse prymitywną sztuką: intensywny ciepły kolor postaci na chłodnym niebiesko-zielonym tle i rytmiczna kolejność tańczących aktów przekazuje uczucie wyzwolenia emocjonalnego i hedonizmu.